Pour les fans de la version filmée classique de la comédie musicale de 1961 West Side Story, les bandes-annonces initiales de la mise à jour 2021 de Steven Spielberg n’étaient pas nécessairement invitantes. Les premières images montraient clairement que Spielberg s’appuyait fortement sur la version 61, avec une mise en scène, une chorégraphie, des costumes (des dessins aux coupes en passant par les couleurs) très similaires et même des plans et des séquences spécifiques. La question était de savoir pourquoi le monde avait besoin d’une nouvelle version de l’histoire, si Spielberg prévoyait simplement de jouer au copieur. Refaire un classique est un pari risqué pour n’importe qui, même un cinéaste de la stature de Spielberg, car chaque remake a besoin d’une raison d’exister.
Mais le film lui-même fournit une réponse, avec une passion suprême et une confiance qui tue. Spielberg s’inspire beaucoup du réalisateur original Jerome Robbins, et il tient à beaucoup de détails qui ont rendu la version ’61 si indélébile. Il est clairement un fan du film original, mais cela ne l’empêche pas de s’approprier cette histoire, de diverses manières ambitieuses et convaincantes.
[Ed. note: This review notes some of the notable changes to West Side Story that some may consider spoilers.]
Le décor de 2021 West Side Story est le même qu’il a toujours été : la ville de New York des années 1950, dans un quartier ouvrier délabré apprécié uniquement par les résidents qui sont fiers de marcher haut sur leur propre terrain. L’histoire est la même : dans une nouvelle version de Shakespeare Roméo et Juliette, deux gangs de rue s’affrontent sur le territoire, et lorsque deux jeunes ayant des liens avec ces gangs tombent amoureux, les tensions débordent. Les chansons sont les mêmes : la musique déchiquetée, urgente et entraînante de Leonard Bernstein et les paroles délicates de Stephen Sondheim se combinent pour exprimer les grandes émotions de l’histoire de manière à laisser le public fredonner après le générique.
Mais tandis que la version de Spielberg respecte le passé, l’évolution de Tony Kushner de la pièce de théâtre d’Arthur Laurents profite également de chaque occasion pour ajouter des nuances. Kushner ajoute une ironie : alors que les gangs se battent pour savoir qui possède le plus le quartier, la commission d’urbanisme de la ville prévoit d’aplatir toute la zone pour un projet de rénovation urbaine. C’est une pensée lourde, assortie de coups de pied arrêtés où le quartier est de plus en plus réduit à des tas de décombres autour des gens qui s’en disputent. Mais il y a certainement un message là-bas sur la futilité insignifiante des batailles raciales et de classe que mènent les résidents, étant donné la vue d’ensemble qui les entoure.
L’histoire commence une fois de plus avec les Jets, une bande de garçons blancs de la classe ouvrière qui règnent sur neuf pâtés de maisons d’un quartier rugueux et délabré. Leur chef arrogant Riff (Mike Faist), qui a cofondé les Jets avec son ami d’enfance Tony (Ansel Elgort), a relevé les défis d’autres rivaux dans le passé, mais les Jets trouvent leur match dans les Sharks, un groupe de Puerto Les immigrants ricains tentent de construire leur vie dans un nouveau pays. Du point de vue de Riff, les requins sont des envahisseurs arrogants et indésirables qui provoquent des combats en défiant les revendications territoriales bien établies des indigènes. Pour le chef des Sharks, Bernardo (David Alvarez), Riff et ses garçons sont des fanatiques et des tyrans, représentatifs du racisme et de l’oppression inhérents à la soi-disant terre d’opportunités. Lorsque la sœur de Tony et Bernardo, Maria (Rachel Zegler) se rencontrent lors d’un bal local, ils tombent amoureux l’un de l’autre à la manière instantanée des comédies musicales et Roméo et Juliette histoires, et leur communauté consternée, déjà prête à la violence, éclate autour d’eux.
Alors que de nombreuses pièces maîtresses de Spielberg évoquent les choix de Robbins à partir de 1961, Spielberg prend des mesures particulièrement audacieuses, réimaginant complètement les chiffres classiques pour leur donner une nouvelle urgence et un nouveau dynamisme. Mais les plus petites modifications apportées au script finissent par se sentir plus vitales, donnant aux personnages une nouvelle profondeur.
Les personnages portoricains obtiennent la plupart du nouveau focus. La pièce originale avait plus d’empathie et d’admiration pour les immigrants fraîchement débarqués que ce qui était culturellement courant à l’endroit et à l’époque où l’histoire se déroulait. La version de Spielberg et Kushner souligne encore plus ces sympathies. Les cinéastes ont fait une mise à jour cruciale dans le casting, remplaçant les requins de la version 1961 – principalement des acteurs blancs et non latins au visage brun – par une distribution entièrement latine. Et ils contiennent des scènes importantes avec des dialogues espagnols non sous-titrés – pas un espagnol maladroit ou l’étrange échange de langues à mi-phrase qui est devenu courant dans les émissions de télévision et les jeux essayant d’établir un cadre et une culture sans aliéner les anglophones. Si quoi que ce soit, ce West Side Story on dirait qu’il a été fait avant tout pour les téléspectateurs bilingues.
Les changements s’étendent également aux histoires des personnages. Bernardo a maintenant une carrière naissante en tant que boxeur. Sa petite amie vivace Anita (Ariana DeBose) a des ambitions de carrière importantes, tandis que Maria a construit une histoire en Amérique qui dépasse de loin celle de son frère. Même le copain de Bernardo Chino (Josh Andrés Rivera) est plus un personnage dans ce récit – pas seulement le nerd inoffensif Bernardo continue de pousser Maria, mais le meilleur ami de Bernardo, qu’il essaie de protéger de toute interaction avec les gangs. Les changements sont superficiels, et ils ne changent pas beaucoup l’histoire. Certains d’entre eux soulèvent simplement des questions : Bernardo ne devrait-il pas s’entraîner au lieu de courir dans les rues, de se battre avec les enfants du coin ?
Mais chaque petite touche se démarque en rendant l’histoire spécifique, axée autant sur les personnes individuelles que sur les numéros de danse flashy et les chansons mémorables qu’elles interprètent. Riff et les Jets n’ont pas autant de redémarrage, mais le leader romantique Tony le fait. Dans cette version de l’histoire, il revient tout juste d’un séjour en prison après avoir failli tuer un autre enfant lors d’une bagarre. Son horreur face à sa propre capacité de violence lui a donné une raison supplémentaire de reculer lorsque Riff essaie de le ramener dans la vie de gang. Ici, Tony a été élevé par une femme portoricaine, Valentina (Rita Moreno, qui a remporté un Oscar pour avoir joué Anita dans la version 61) après avoir perdu ses parents. Être élevé avec un pied de chaque côté de la division raciale croissante autour de lui rend son attirance pour Maria et son incapacité à comprendre la haine de Bernardo à son égard encore plus compréhensibles.
Une grande partie de la version de Spielberg n’est que la version Robbins, plus ces notes de grâce ajoutées dans le script. Quelques-unes des chansons classiques sont audacieusement repensées; « Cool », « One Hand, One Heart » et « Gee, Officer Krupke » ont des tonalités et des réglages différents qui changent leur signification. Bien que dans la plus grande erreur de calcul du film, Spielberg prend la chanson plaintive « Je souhaite » « Somewhere » loin de Tony et Maria, et la donne à Valentina. La scène est un déchirant qui respecte à fond l’histoire significative de Moreno avec le spectacle et avec un Hollywood qui souvent ne pouvait pas trouver une place pour ses talents. Mais la chanson semble mince en tant que numéro solo, et il y a un changement de sens important entre deux jeunes imaginant un monde où leur nouvel amour condamné pourrait s’épanouir, et une femme de 89 ans imaginant une réunion avec son mari décédé. Pire, éloigner la chanson de Maria et Tony prive la pièce de sa reprise poignante, émoussant l’impact émotionnel ultime du film à un moment clé.
En dehors de cette chanson, cependant, la performance de Moreno est chaleureuse et bienvenue, et c’est un ajout fort à une distribution qui apporte principalement tout le zing nécessaire à ce matériel musical emphatique. La vedette majeure est Mike Faist, l’un des rares membres de gangs qui, à 29 ans, passe pour un sauvage et précoce 17. Zegler et DeBose sont également des artistes fascinants, et les scènes où ils s’affrontent ou se liguent contre Alvarez. , sont particulièrement vifs.
Mais la vraie star du spectacle est la caméra de Spielberg et du directeur de la photographie Janusz Kaminski, qui va dans des endroits où Robbins n’a jamais pu revenir en 1961. Les jupes tourbillonnantes et la chorégraphie latino-infusée de la performance « America » ou du dance-off de quartier sortent du ‘ Version des années 60, mais dans cette interprétation, la caméra survole l’action, plonge entre les jambes des danseurs et se rapproche pour capturer leurs visages. Lorsque Riff et Tony s’affrontent pour une arme sur une plate-forme en train de se désintégrer dans « Cool », la caméra saute entre eux comme un combattant supplémentaire dans la mêlée. Dans des endroits où Robbins se tenait en retrait comme s’il essayait d’assister à une scène entière de Broadway à la fois, Kaminski entre au cœur de l’action. C’est époustouflant, et même un peu menaçant, d’être aussi immergé dans un mouvement et une couleur aussi rapides.
On pourrait en dire autant du reste du film, dans lequel Spielberg fait de son mieux pour élargir encore plus une histoire large et énergique, tout en gardant un œil sur les moindres détails qui composent le monde. Il a réussi un remake qui s’écarte de l’original sans perdre son cœur ni son attrait, et qui justifie son existence artistiquement sans devenir méconnaissable. C’est une sacrée réussite, et le cas rare où un remake ressemble à un acte de fandom fervent.
West Side Story est dans les salles maintenant.