On a beaucoup parlé de Making History dans l’assaut marketing qui a précédé la première de Frères, le nouveau film écrit par et interprété par Billy Eichner. C’est « la première comédie romantique gay d’un grand studio avec une distribution principale entièrement LGBTQ », Eichner étant présenté comme « le premier homme ouvertement gay à écrire et à jouer dans un grand film de studio ». La campagne étrangement sérieuse, le genre d’annonce d’importance bourdonnante qui accompagnerait généralement un drame de prestige primé, semble saper le simple acte révolutionnaire de créer un autre studio rom-com, cette fois centré sur deux mecs amoureux.
S’asseoir et regarder le film, cependant, il est clair que cette tension entre l’important et le conventionnel est le conflit qui définit le film. Pour toutes ses vertus, Frères est un peu une montre frustrante, une charmante charmante Nora Ephron-esque enfouie quelque part sous le fardeau auto-imposé de représenter «5 000 ans d’histoires d’amour queer», un bras de fer entre le micro et le macro qui gaspille presque son ensoleillé romance centrale avec une tentative (même noble) d’être tout pour tout le monde.
L’intrigue concerne Bobby Lieber (Eichner), un podcasteur queer et conservateur du premier musée d’histoire LGBTQ de New York. Bobby est opiniâtre et fièrement célibataire, mais ses défenses s’effondrent lorsqu’il rencontre Aaron (Luke Macfarlane, pilier du film Hallmark), un avocat macho-bro qui est aussi impénétrable émotionnellement qu’il est un bateau de rêve total. Leur rencontre mignonne, au milieu d’un vortex tourbillonnant de gays de clubs en vogue, ressemble à la version queer appropriée du 21e siècle d’une histoire d’amour à New York. Ajoutez une partition de Marc Shaiman et une prime de gouttes d’aiguilles de Nat King Cole, et vous penseriez que ce Gay Quand Harry rencontre Sally serait éteint et en cours d’exécution. Mais Frères a bien d’autres choses en tête.
Photo : Nicole Rivelli/Universal Pictures
Ces « 5 000 ans d’histoires d’amour queer » sont référencées dès le départ, et l’intrigue B concernant l’ouverture du musée de Bobby semble d’abord une manière sournoise de transformer cette comédie de studio grand public en une leçon d’histoire queer de porte dérobée. C’est bien beau, mais alors qu’Eichner mérite le mérite d’avoir réservé de l’espace à d’autres récits queer que sa propre expérience cis-blanche, l’exécution ici se révèle essentiellement superficielle. Ses collègues du musée ne sont guère plus que des chiffres, une ONU LGBTQ avec des représentants trans, lesbiennes, non binaires et bisexuels. Les moments où ils sont assis autour d’une table de conférence et adoptent par cœur des points de discussion queer semblent aussi secs et sans inspiration que si les séquences du Sénat des préquelles de Star Wars se déroulaient dans une chambre d’écho de stéréotypes homosexuels.
Eichner n’a que deux heures, après tout, et alors qu’il atteint les niveaux de dimension de Nora Ephron, Frères‘ Le scénario est souvent dessiné pour faire de ses personnages des porte-parole de tous les problèmes qu’il estime devoir résoudre, même au détriment des siens. Malgré la capacité de surveillance instable de l’acteur, Bobby apparaît moins comme une personne réelle que comme une diatribe ambulante sur Twitter sur tout ce qui ne va pas avec la culture gay. Cela inclut, mais n’est pas limité à : des acteurs hétérosexuels jouant des homosexuels ; l’utilisation comique de « la liaison en fa » ; la capitalisation de l’industrie cinématographique sur le traumatisme queer ; et le caractère problématique de Rhapsodie bohémienne parler d’une icône gay dans une relation hétéro. Des trucs frustrants, tous, mais rendus encore plus frustrants par le fait qu’ils occupent un espace aussi important dans un film qui est censé être l’antidote de ces problèmes.
Eichner est meilleur quand ses délires sont provoqués par des moyens plus organiques. Cela peut signifier se frayer un chemin à travers une foule de clubbers (« ILS N’ARRÊTERONT PAS DE VOGUER! ») Ou se trouver incapable de ne pas avoir le dernier mot lorsque la mère d’Aaron, enseignante au primaire, dit que les élèves de deuxième année sont trop jeunes pour apprendre histoire étrange. Il s’avère également qu’il est un rôle principal romantique assez tendre avec une belle voix chantante, livrant une performance musicale de onzième heure qui ressemble à un classique instantané de la comédie romantique, même si sa signification (une sorte de subversion alambiquée de Lin-Manuel Le discours « L’amour c’est l’amour c’est l’amour », sur le fait que « l’amour n’est pas vraiment l’amour ») reste au mieux trouble.
Mais le film appartient à Luke Macfarlane, avec l’une des performances les plus poignantes de l’année. C’est l’une de ces synthèses parfaites d’acteur et de rôle, une percée de carrière massive qui est excitante à célébrer. Vous pouvez facilement imaginer le mec à une note qu’Aaron pourrait être, mais Macfarlane joue vraiment le pathétique de ce gars qui a vécu une vie à cheval sur son privilège d’homosexuel masculin avec son désir de se sentir moins comme un étranger à la culture gay. Il est de loin le personnage le plus complet et le plus convaincant de la distribution, et ses défaites et ses victoires sont les moments forts émotionnels d’un film qui est à son meilleur lorsqu’il joue les rythmes classiques de la comédie romantique d’un point de vue gay.
Image : Images universelles
Quand Bobby et Aaron partagent l’écran, tombant amoureux et amoureux au fil des saisons à New York, Frères se sent prêt à s’asseoir confortablement sur l’étagère avec le meilleur du genre. Les scènes de sexe sont torrides, franches, rafraîchissantes et (dans un cas, grâce à la participation d’un intrus passionné nommé Steve) assez drôles. Et si dans l’ensemble, le film n’a pas les points culminants systématiquement éclatés de rire des travaux antérieurs du réalisateur Nicholas Stoller comme Oublier Sarah Marshallson désir infaillible de capturer la version la plus compatissante de ses personnages en fait une expérience qui, malgré ses défauts, vous donne un sourire qui ne s’arrête pas.
Malgré mes frustrations et mes arguties, Eichner réussit l’atterrissage avec une finale qui semble aussi pâmée et romantique que la réconciliation du Nouvel An de Billy Crystal et Meg Ryan. Qu’il le fasse dans le contexte de l’ouverture du musée LGBTQ de Bobby, c’est comme si c’était la première fois que les fils disparates et les participes pendants du film se congèlent en un tout cohérent. C’est une fin satisfaisante, et qui révèle le cadrage ultime d’Eichner de ce film comme une introduction tant attendue de la culture queer au cinéma grand public, un Gay Rey remettant un sabre laser aux couleurs de l’arc-en-ciel à Luke Skywalker.
Dans ce contexte, il est difficile de reprocher à Eichner d’avoir traité ce « premier grand studio de comédie romantique gay » avec le plus haut niveau de responsabilité. Alors que Frères se sent souvent débordé d’idées, un traité sur Pourquoi les homosexuels méritent d’être dans une comédie romantique plutôt qu’une très bonne comédie romantique avec des homosexuels, cela correspond également exactement à l’objectif principal de Bobby’s-slash-Billy : « Je Je voulais écrire sur mon monde, ma vie, mes amis.
Après tout, un film ne peut pas vraiment être tout pour tout le monde, même s’il est compréhensible que Billy essaie. Plus de 5 000 ans d’histoires d’amour queer, et c’est la première avec le logo Universal devant. Comme Bobby l’a dit lors de l’ouverture du musée, « On a l’impression que nous commençons tout juste à nous connaître. » Frères était une introduction valable. Il est maintenant temps de passer à l’étape suivante.
Frères ouvre en salles le 30 septembre.