Alors que les noms de ses artistes principaux et de son studio de production Trigger s’annoncent bruyamment dans un générique d’ouverture éclaboussant, marqué par Franz Ferdinand, vous savez plus ou moins ce qui vous attend avec Cyberpunk : Edgerunnersle spin-off anime du jeu vidéo troublé Cyberpunk 2077.
Le jeu vidéo et ce dessin animé, créés par Rafal Jaki, sont basés sur le jeu de rôle sur table de 1988 Cyberpunk 2020, dont l’ambiance de contre-culture a été façonnée par son créateur, le designer au franc-parler Mike Pondsmith. Mais, en plus de la répétition sur tous les noms de ces jeux, il y a aussi une drôle de redondance dans le titre de la série animée elle-même qui ressemble à une encapsulation de la philosophie de la franchise – dans le monde de la série, « edgerunner » est un autre mot pour « cyberpunk », donc dans un sens, cela s’appelle Cyberpunk : les cyberpunks. Ce doublement indulgent est révélateur de ce que tout cela est : c’est Cyberpunkmais Suite. Mieux encore — à l’exception notable de tout le jargon, la connaissance de 2077 n’est pas un prix d’entrée pour Coureurs de bordqui est autonome même s’il intègre des personnages et des concepts du jeu.
Se déroulant dans une année quelconque avant le jeu vidéo, son protagoniste David Martinez et sa mère surmenée Gloria sont au bas de l’échelle de la ville, avec tous les aspects de leur vie alourdis par des frais exorbitants. David n’a finalement pas d’autre choix que de tomber avec un gang de mercenaires – des cyberpunks – après avoir rencontré un netrunner mystérieux mais sympathique (un hacker, essentiellement) appelé Lucy. Il commence à diriger des emplois dans l’espoir de faire quelque chose de lui-même, et pour quelque chose d’autre qu’il a du mal à définir. Le besoin mutuel de chacun de faire quelque chose d’eux-mêmes enferme la population dans des cycles répétitifs. Mais au moins dans ce monde, les gens sont généralement plus honnêtes sur la façon dont ils tuent, immédiats et sanglants, plutôt que sur la mort lente du capitalisme, dont David fait lui-même l’expérience.
Coureurs de bord se penche sur la vulgarité de la version finale du capitalisme de Night City, décomposant les différents systèmes d’exploitation qui régissent leur vie, des forfaits de soins de santé aux machines à laver à domicile qui nécessitent un crédit. Même au sein de la maison, cette marchandisation s’impose – et il y a aussi quelque chose de drôle dans un Netflix Original dystopique où tout dans la vie est devenu un service d’abonnement.
Image : Studio Trigger/Netflix
Image : Studio Trigger/Netflix
La science-fiction et le machisme ne sont pas une nouvelle combinaison pour le réalisateur Hiroyuki Imaishi, qui a réalisé Gurren lagann et, plus récemment, le long métrage Promare. Mais la façon dont lui et son équipe jouent avec l’ascension et la chute d’un chef criminel dans Coureurs de bord est tout de même distinct. Et bien que le déballage de cette trajectoire par la série soit un peu écourté par son nombre d’épisodes, sa narration visuelle parvient à rattraper le temps perdu. Il y a du plaisir (parfois morbide) à avoir avec les divers rebondissements de l’histoire de Bartosz Sztybor et de l’écriture propulsive de Masahiko Otsuka, alors que la série oscille entre l’exploitation violente de l’anime des années 80 – pensez au travail de Yoshiaki Kawajiri – et plus sérieux sentiment, une combinaison similaire à celle de la posture machiste emphatique et de l’amour fraternel authentique dans Gurren lagann et Promare.
La romance apparaît comme cet élément équilibrant dans Coureurs de bord, une évasion potentielle pour David basée sur quelque chose de réel, voire d’idéaliste. La violence et la marchandisation du décor, le chaos et la laideur aléatoire ainsi que la nature du jeu lui-même suggéreraient un point de vue cynique. Mais malgré tout leur ridicule, les œuvres d’Imaishi ont toujours été d’une sincérité impitoyable – quand un punk aux yeux brillants proclame qu’il va voler son amour vers la lune, à ce moment-là, lui et le réalisateur le pensent vraiment bien. Cependant, un tel sentiment devient dangereux, et les tentatives de Lucy pour garder David hors de danger et ses tentatives correspondantes pour réaliser ses rêves finissent par les mettre tous les deux en danger. Même encore, Imaishi et co. rejeter le cynisme comme le fait le corps humain pour les implants cybernétiques. Cela ne fait que piquer d’autant plus la tragédie de l’arc narratif de la série.
Malgré tout cela, le spectacle choisit bien où s’appuyer sur la narration que lui seul peut faire – se penchant sur une grande partie de l’horreur psychologique d’exister dans l’espace de Night City, de risquer votre esprit tout en utilisant des augmentations corporelles pour obtenir un avantage sur d’autres gangs, tout en donnant un côté romantique à l’histoire de David, et des enjeux réels et un poids émotionnel aux fusillades mouvementées dans lesquelles il se jette avec abandon.
Image : Studio Trigger/Netflix
Image : Studio Trigger/Netflix
Au moment de sa sortie, Cyberpunk 2077 a été noté comme une vision un peu trop nostalgique du genre, peut-être pas assez avant-gardiste car il tenait à reproduire un souvenir de l’image populaire du cyberpunk. Cela et les caractéristiques familières du Deus Ex, Coureur de lameet Fantôme dans la coquille– dessins inspirés de Cyberpunk 2077 restent, mais l’identité visuelle du spectacle se sent toujours entièrement la sienne, et les idées de Studio Trigger se sentent suffisamment inventives pour rafraîchir ce cadre partagé. Il est tellement rempli de cette personnalité idiosyncrasique qu’il semble même intrusif lorsque la marque Cyberpunk obligatoire apparaît à la fin de chaque épisode. Pourtant, c’est tout simplement excitant de voir les marques de fabrique du studio et d’Imaishi imposées à ce monde – comme leur coup de face signature, ces plans extrêmement bas d’énormes gars se faisant face avant un combat. Et cela laisse encore de la place pour que des notes plus délicates s’épanouissent autour du machisme exagéré, que ce soit par la façon dont les gribouillis de texture sur le visage de David restent les touches humaines les plus cohérentes à son sujet, ou comment la présentation visuelle de ce qui serait autrement juste un autre dans -le système de jeu ou un mètre à regarder imprègne ces choses d’un véritable sens narratif.
En parlant de cela, le temps entre le début du spectacle et l’explosion des têtes de balles ne représente que quelques secondes, car le spectacle commence bruyamment et reste pour la plupart ainsi – une grêle de balles et de cerveaux alors qu’Imaishi superpose des seaux de sang sur le néon . Une telle violence est immédiatement liée à son exploration de la façon dont tout – gore et plaisir – est marchandisé dans ce monde : David a d’abord vu acheter et regarder les derniers souvenirs des gens comme des films à priser (appelés «braindances», comme dans le jeu) spécifiquement , d’un « cyberpsycho » abattant la police puis mourant lui-même violemment. Le spectacle creuse dans cette intersection désensibilisante des corps chromés et des désirs charnus, avec tout le monde à la recherche d’une stimulation constante (souvent littéralement, avec une grande partie de la population vue se tordre en réponse aux machines attachées à leurs entrejambes).
Avec un penchant pour le style vertigineux, expressionniste et hyper-maximaliste, le réalisateur Imaishi et son équipe sont parfaitement adaptés à la surstimulation constante de Night City – des cadres remplis de couleurs riches, parfois écrasantes, juste à la limite d’être trop occupés pour comprendre . Les créateurs encadrent les proportions exagérées des conceptions de personnages de Yoh Yoshinari à travers des perspectives forcées et de nombreux plans grand angle, en particulier dans les conversations, évitant les plans typiques un-deux en aplatissant les visages des deux participants dans le même cadre. Il est parfait pour son casting de grandes personnalités mémorables, qui cherchent toutes à devenir de grands coups dans son cadre de Night City – comme Becca, une petite fille avec de gros poings en métal et des armes encore plus grosses.
Image : Studio Trigger/Netflix
Image : Studio Trigger/Netflix
Plus excitant encore est la façon dont Trigger imagine un nouveau langage visuel pour divers concepts du jeu, comme le bullet time, dont David est doté grâce à un prototype d’implant militaire dans sa colonne vertébrale. Alors qu’il se déplace à la vitesse de l’éclair, le monde ralentit et son chemin à travers celui-ci est capturé dans une séquence d’images rémanentes multicolores, des images fixes de chaque image de mouvement précédente suspendue dans le temps. La représentation visuelle de netrunning est un point culminant particulier car elle élimine la couleur et le bruit du monde, devenant un espace physique dans lequel Lucy se faufile. C’est un cyberespace apparaissant comme un monde abstrait de monochrome pixélisé qui ressemble presque à l’arrière-plan de la vidéo de Death Grips pour « Guillotine ». À l’opposé de ce sentiment d’autonomisation par la technologie, l’impact psychologique traumatisant de ces modifications et capacités corporelles est également un accent visuel, car la « cyberpsychose » est illustrée à travers visuels glitch de personnages les yeux se multiplient à l’écran et d’autres manières de dysfonctionnement excitantes voire inquiétantes.
Ce n’est pas seulement le style pour le plaisir non plus, bien qu’avec le montant que Coureurs de bord a, c’est assez pour divertir. Il y a une puissance émotionnelle dans sa présentation, peut-être mieux représentée dans son sixième épisode, « Girl on Fire ». Le réalisateur de l’épisode Yoshiyuki Kaneko, ainsi que le scénariste et directeur de l’animation Kai Ikarashi (qui a travaillé sur un épisode tout aussi électrique de SSSS.Dynazenon), capitalisent sur une ambition étonnante dans leur représentation d’un esprit fracturé et de l’éclatement du groupe, et le point de basculement émotionnel de la série pour l’ensemble de sa distribution. Couplé à une coupe rapide exaltante à travers le chaos des coups de feu et des crânes brisés, c’est aussi le meilleur représentant de la profondeur visuelle de la série, même dans ses moments les plus calmes.
Il y a aussi une diversité sonore passionnante dans sa partition d’Akira Yamaoka. Il reproduit les rythmes EDM lourds et sombres du jeu, mais flirte également avec le reggae et le dub, le dancehall, la musique de danse breakbeat, le thrash et le death metal, chacun pouvant ponctuer le prochain moment d’action spontané. Ce qui revient à dire que toute la série est pleine de variance passionnante; ses dessins plus épurés cèdent la place à des lignes plus larges et plus épaisses en gros plan qui maintiennent un sentiment de quelque chose de personnel au milieu d’une ville qui a perdu son humanité. Ces textures tachées et ces dessins incroyablement détaillés et chaotiques qui accentuent la taille gigantesque d’un personnage, ces dessins intentionnellement salis, maintiennent une sensation de crudité, rappelant qu’il s’agit d’humains dessinés par des mains humaines plutôt que de pièces de métal anthropomorphes. Ces mêmes taches de crayon agissent également comme un motif plutôt dévastateur, en particulier dans l’épisode 6 – les mêmes marques observées en gros plan sur le visage d’un des amis de David, perdant lentement la raison, sont également laissées comme une marque persistante sur David par la fin de l’épisode.
Il y a peut-être trop peu de temps pour ressentir le plein impact de la trajectoire de David et des petites tragédies des personnes avec lesquelles il court – un tournant de mi-saison saute en avant dans son arc, et le nombre d’épisodes rend ces événements un peu trop compressés même pendant le spectacle travaille des heures supplémentaires pour vendre ces changements (et réussit la plupart du temps). Quoi qu’il en soit, il parvient à trouver l’horreur psychologique chez les gens qui se perdent au milieu de tout le métal, évoquant les parties les plus sombres de l’histoire esthétique du genre alors que divers personnages se réveillent, Tetsuo : L’homme de fer-des cauchemars de bronze à canon qui se tordent de manière incontrôlable pour sortir de blessures ouvertes.
C’est peut-être le point fort de la série : la capacité à dépeindre le décrochage psychologique de ses personnages sans se sentir inauthentique. Même s’il est de plus en plus absorbé par le gang avec lequel il court, David est troublé par la facilité avec laquelle il peut tuer des gens, un récit qui n’est vraiment pas possible dans l’espace d’un jeu de tir à la première personne dans lequel le nombre de corps reste juste un nombre. , celui qui, ironiquement, ajoute au bas prix de la vie qu’il dépeint. Dans son expansion de ces idées, Cyberpunk : Edgerunners est de loin la chose la plus excitante à sortir de l’arc de rachat du jeu. Même s’il est difficile de ne pas souhaiter qu’Imaishi and co. avaient un peu plus de place pour élargir leur point de vue sur ce monde, Coureurs de bord se sent passionnant et suffisamment nouveau car il repousse les limites de sa représentation visuelle passionnante et extrêmement inventive des concepts du jeu.