La télévision de Steven Moffat n’était pas faite pour cette époque

Le premier de Steven Moffat Docteur Who L’histoire, située vers la fin de la première saison de la série relancée, était un mélange parfait d’horreur, d’aventure et de mystère, avec un point culminant contenant l’un des moments de joie les plus purs de la série. En regardant le mystérieux cours inverse de la peste extraterrestre de l’épisode, le neuvième docteur de Christopher Eccleston s’exclame « tout le monde vit » alors qu’une foule de personnes que nous devions croire décédées ont été ramenées à la vie indemnes. Cet exemple de sentimentalisme manifeste et passionné a résonné et, à bien des égards, a donné le ton à toute la carrière de son écrivain. Une vedette même parmi une grande saison, « The Empty Child » était la première des nombreuses histoires que Moffat contribuerait à la nouvelle Qui, y compris le désormais emblématique « Blink ».

Ce sont des moments comme celui-ci qui ont finalement conduit Moffat à être promu showrunner, remplaçant Russell T Davies et inaugurant une nouvelle ère avec le onzième docteur de Matt Smith. Au même moment, Moffat développait une adaptation de Sherlock Holmes aux côtés de Docteur Who Mark Gatiss régulier. Sherlock ferait ses débuts en juillet 2010, quelques mois après la première saison de Moffat en tant que Docteur WhoLe showrunner de a été créé. Les deux émissions se sont déroulées en parallèle pendant les sept années suivantes, chevauchant et alimentant une vague d’anglophilie devenue incroyablement à la mode, et lançant Steven Moffat au genre de notoriété que peu d’écrivains de télévision atteignent. Mais nous sommes en 2012 – l’année Sherlockla deuxième saison et Docteur Who‘s septième ont été libérés – cela semble le plus représentatif de ce qui allait arriver, un avenir que Moffat participerait beaucoup à inaugurer et à laisser derrière lui.

Ce serait un euphémisme de dire que 2012 était une période très différente sur tous les axes, mais le paysage médiatique d’il y a dix ans est radicalement différent de celui d’aujourd’hui, avec non seulement des histoires et des stars différentes qui peuplent la conversation, mais les mécanismes de la production médiatique en général étant pratiquement méconnaissable. Breaking Bad était entré dans la première partie de sa dernière saison en tant que Jeu des trônes était dans sa deuxième, le contenu en streaming était presque une non-entité, Joe Biden s’est avéré sur Parcs et Loisirs, Les morts qui marchent (alors en seulement ses deuxième et troisième saisons) a battu des records de télévision, et le crossover désormais pittoresque de Les Vengeurs discrètement menacé de tout changer.

Pendant que tout cela se passait, les deux Docteur Who et Sherlock connaissaient un moment de succès sans précédent, renforcé par d’énormes fandoms en ligne à un moment où cela signifiait plus que jamais. Grâce à des sites comme Tumblr, Moffat était devenu une sorte de célébrité en ligne, mais cela signifiait également que les fans souvent frénétiques de ces émissions savaient exactement qui blâmer quand ils n’aimaient pas comment les choses se passaient. C’était une époque définie par un engagement plus grand que jamais entre les créatifs et le public, mais cet accès a également rendu la critique personnelle. Les créatifs étaient souvent fustigés avec autant de passion que les personnages de leurs œuvres. « Putain de Moffat ! » était un refrain familier en ligne, et l’idée qu’il était sadiquement obsédé par le fait de tuer et de faire revivre des personnages avait presque pris une vie propre.

Pourtant Docteur Who a maintenu sa pertinence dans l’année de son 50e anniversaire et Sherlock fait quelques gros titres supplémentaires, le décor était planté pour une culture pop dominée par des franchises à succès microgérées et une conscience de soi consciente de soi qui sonnerait le glas de deux émissions étranges de la BBC par un sentimental excentrique occupant une place réelle dans la culture pop.

Il est important de comprendre la vision de Moffat pour ces deux émissions afin de comprendre à la fois le fandom intense autour de ses émissions et ce qui s’est passé ensuite. de Moffat Docteur Who certainement construit sur la formule du renouveau consistant à équilibrer les aventures du monstre de la semaine avec un travail de personnage global. Mais là où Davies s’était appuyé sur un drame humain ancré, le spectacle de Moffat se délectait de la fantaisie, adoptant une approche du voyage dans le temps qui frisait la magie et encadrant le docteur de Matt Smith plus comme un sorcier que n’importe quel type de héros d’action. Dans cet esprit, le spectacle a commencé à raconter des histoires qui étaient à des millions de kilomètres de la réalité, incorporant des idées étranges avec très peu d’intérêt pour toute idée de «règles». L’émission a équilibré le snark souvent cruel de Moffat avec un engagement à présenter les émotions de ses personnages comme profondément importantes dans une mesure qui n’est souvent plus vue dans ce genre d’histoires de franchise de peur d’être considérée comme n’étant pas dans la blague. Cette époque de la série est souvent ridicule mais jamais incertaine à ce sujet.

Moffat et Gatiss’ Sherlock était une bête différente. On se souvient le plus affectueusement maintenant pour avoir fait une star de Benedict Cumberbatch, le spectacle a vaguement adapté les livres d’Arthur Conan Doyle comme scène pour le drame savonneux et les querelles mélodramatiques dans lesquelles Moffat excellait. À chaque tour, le spectacle a expérimenté et rejeté les attentes de la narration policière que son matériel source avait définies et bien que souvent infructueux, il est tout à fait un produit de ses créateurs. De même, l’expérimentation formelle bizarre de l’émission, apparemment stimulée par l’enthousiasme suscité par l’accès aux nouveaux outils de production numérique, est loin de l’esthétique désormais fermement ancrée de la « télévision de prestige ». Sherlock n’est pas un spectacle que les gens revisitent souvent, mais c’est certainement celui dont ils se souviennent.

Ce qui unit ces deux émissions, c’est le sentiment d’excitation sans faille qui les sous-tend. Tant de leurs idées sont portées par la pensée que quelque chose serait cool et tout est si fortement ressenti qu’il est rarement nécessaire de s’enliser dans les détails, bien que cela soit légèrement plus frustrant dans une émission ostensiblement sur la résolution de mystères. La séquence de nihilisme décalé et connaissant qui a émergé dans le zeitgeist, embrassé par un public lors de leur 50e armageddon fictif, est introuvable. Cela a permis à Moffat et al de raconter des histoires qui mettaient au premier plan le souci des choses comme le bien ultime et demandaient que même si nous ne comprenions pas, nous nous soucions tout autant.

Moffat berger Docteur Who dans sa 50e année, sans doute le sommet de sa popularité avant le départ de Matt Smith a ouvert la voie à une séquence nettement plus discrète mettant en vedette Peter Capaldi, qui est parti aux côtés de Moffat en 2017. Sherlock a eu deux saisons supplémentaires, toutes deux moins appréciées car le public semblait de moins en moins amoureux des bizarreries de Moffat, parallèlement à la série qui s’appuyait sur sa propre mythologie quelque peu fastidieuse. Bien que Moffat n’ait pas cessé de travailler, libérant un Dracula adaptation mettant en vedette Claes Bang en 2020, la culture pop avait évolué.

Où il avait déménagé devrait être évident. Les méga-franchises comme Marvel et Star Wars en sont venues à dominer les conversations de niche et mondiales. Alors que les plaisanteries snippy du premier de Joss Whedon Vengeurs Le film s’adaptait parfaitement à la voix souvent tout aussi dure de Moffat, la franchise qui l’entourait allait dans une direction très différente. Où Docteur Who échangé dans des histoires qui placent l’émotion au premier plan, l’univers cinématographique Marvel a tendance à s’appuyer sur un niveau de réalisme esthétique et de franchise formelle qui peut donner l’impression qu’il s’éloigne de l’exploration des pensées et des sentiments internes de ses personnages. Les moments dans les films Marvel peuvent parfois sembler purement fonctionnels, un problème que les émissions n’ont fait qu’exacerber en étirant ces histoires sur deux fois la durée d’exécution. De même, Star Wars – une franchise avec tous Quile potentiel d’être bizarre et idiot – s’est transformé en sécurité. Le facteur déterminant dans tout cela n’est pas une impulsion créative particulière, mais la réalité de ce pour quoi les gens viennent à ces projets : des mises à jour clairement fournies sur une seule histoire sans être gênées par des voix individuelles.

La promesse tacite derrière l’univers cinématographique est qu’une franchise est plus qu’une œuvre, que chaque entrée est une fenêtre sur un autre monde et que le but d’un artiste est de le maintenir ouvert. L’effet secondaire de cela est que la pire chose qu’un artiste puisse faire est d’offrir sa propre perspective. Fandom s’appuie sur l’idéal platonique des personnages, intrinsèquement cohérent d’une manière qui va à l’encontre du processus créatif, et il est perçu comme un acte de cruauté presque personnel aller contre ça. Revenant à Cumberbatch, une critique populaire de la récente Docteur étrange La suite est que les excentricités de Sam Raimi en tant que cinéaste détournent l’attention des faits littéraux de l’intrigue.

Photo : Barbara Nitke/HBO

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Il serait à courte vue de suggérer que toutes les critiques de Steven Moffat sont aussi infondées. Son approche désordonnée de l’écriture des femmes est un sujet de discorde depuis aussi longtemps qu’il le fait, les invocations ludiques de la misogynie se sentant chaque fois plus égarées et suggérant peut-être pourquoi sa sensibilité s’est estompée de l’air du temps. D’un autre côté, ce même sens de l’espièglerie désordonnée rend sa concentration fréquente sur la représentation LGBT étrangement plus sincère face à la timidité de l’entreprise et aux personnages de fond «révolutionnaires». Comme beaucoup de choses dans ses émissions, Moffat utilise l’homosexualité parce qu’il pense que c’est amusant avant tout – quelque chose qui, bien que loin d’être une approche parfaite, est plus agréable que de savoir que vous n’êtes considéré que comme un groupe démographique commercialisable. Ce désordre est quelque chose qui définit l’approche de Moffat. De tous les mots qui peuvent être raisonnablement appliqués à son travail, paresseux n’en fait pas partie, et il fait des tentatives similaires avec ces bords rasés beaucoup plus difficiles à avaler.

Bien que nous soyons censés être à l’apogée de la télévision «sincère», très peu d’émissions ont été aussi réussies que celles de Moffat en termes de poids narratif des émotions de leurs personnages. Beaucoup de spectacles loués comme émotionnellement honnêtes ou gentils sont construits d’une manière fondamentalement non dramatique; ces séries résolvent rapidement les conflits et s’éloignent des émotions fortement ressenties au service d’une relatabilité réconfortante et naturellement souhaitable. Les spectacles de Moffat, en revanche, permettent à chaque émotion d’être ressentie de manière explosive, Docteur WhoLa sixième saison de se termine littéralement par un amour ressenti si fort qu’il arrête tout le temps. Ce qui distingue les spectacles de Moffat des fins les plus grandioses et les plus intimes de l’état actuel de la culture pop, c’est qu’ils ne positionneraient jamais un sentiment ou une idée comme sans importance, parfois à leur détriment.

Cela ne veut pas dire que l’impact de Moffat a complètement disparu. Spectacles comme Patrouille du destin délectez-vous de ce même mélodrame anarchique, tandis que la propre adaptation de Moffat de La femme du voyageur temporel fait la une des journaux pour son approche non conventionnelle de la narration de voyages dans le temps. Benedict Cumberbatch est apparu dans certains des plus grands films de tous les temps, et les talents de Matt Smith sont régulièrement gaspillés. Mais ce moment où les fans théorisent désespérément comment Sherlock a survécu en tombant du toit d’un hôpital pour découvrir que les détails n’ont jamais eu d’importance – tant que nous sentons que cela s’est produit – se sent à un million de kilomètres du statu quo où nous sommes au courant à chaque détail de ces mondes fictifs et raconter une histoire est traité comme une gêne.