In From The Cold Compositeur Tori Letzler sur la création de l’équivalent du thème d’un lien de l’émission [Interview]

Le spectacle a de la science-fiction, c’est un thriller d’espionnage et un drame familial, alors comment était-il marqué pour tous ces genres différents mais en les faisant tous d’une seule pièce?

Pour moi, le changement de genre n’est pas une nouveauté. J’ai travaillé dans une tonne d’espaces différents et j’ai marqué beaucoup de bandes-annonces, qui sautent partout sur la carte. Le truc avec ce spectacle est, oui, il y a beaucoup de points d’histoire différents et beaucoup d’émotions différentes, mais le son du spectacle reste généralement, à mon avis, assez cohérent.

Parce que ce spectacle a été retardé pendant si longtemps – j’ai été embauché en mars 2020, et nous n’avons vraiment commencé à marquer qu’en février 2021 – j’ai eu beaucoup de temps avec les scripts et pour réfléchir à l’histoire. Notre créateur, Adam Glass, est lui-même un tel fan de musique. Il pense que cela est tout aussi important que d’autres aspects de la série, ce que tout le monde ne fait pas. Nous sommes souvent amenés à la fin plutôt qu’au tout début, alors nous avons créé un son et déterminé très tôt ce que nous voulions que le spectacle soit sonore. Cela m’a permis d’utiliser ce son pour transmettre toutes les émotions du spectacle.

On entend souvent que les compositeurs ont deux ou quatre semaines.

J’ai dû faire des choses en une semaine ou deux semaines. Bandes annonces? 24 heures. C’est assez normal. Il y avait donc un luxe de — ce n’est pas comme si nous avions beaucoup de temps avant qu’il ne soit rendu, mais nous avions beaucoup de temps pour réfléchir aux thèmes à l’avance.

Les épisodes contiennent une tonne de musique. Ce sont des épisodes de 45 à 50 minutes. Fondamentalement, ils ont de la musique mur à mur. J’ai écrit quelque chose comme six ou sept heures de musique pour ce spectacle, ce qui est un peu fou. Alors que je rendais beaucoup de musique, le travail de fond qui a été fait en amont est un luxe que je n’ai pas d’habitude. Je leur envoyais des morceaux de musique pendant qu’ils étaient sur le plateau et ils écoutaient des trucs.

Le problème avec la télévision, surtout s’il s’agit d’une télévision en réseau, c’est que vous êtes à la poursuite du prochain épisode. Vous obtenez des choses chaque semaine ou toutes les deux semaines par rapport au streaming, je ne poursuivais pas nécessairement tout parce que tout est diffusé techniquement en même temps. Il avait le luxe d’explorer des thèmes comme vous le feriez dans un film, par opposition à parfois ce que vous n’obtenez pas à la télévision.

Qu’en est-il des scripts qui ont influencé votre partition alors ?

Dès le départ, quand j’ai lu le scénario, je pense que le cœur de la série est qu’il s’agit d’une série centrée sur les femmes, mais pas d’une manière où elle essaie de faire avancer un programme. Il ne s’agit pas d’essayer d’être féminin pour apaiser qui que ce soit. Cela montre juste des personnages féminins forts, et c’est quelque chose auquel je m’identifie parce que je veux raconter des histoires, et elles n’ont pas nécessairement besoin d’être mes histoires ou des histoires liées à moi, juste des personnages forts. Je pense qu’Adam, il vous le dira lui-même, a écrit cela presque comme une lettre d’amour aux femmes de sa vie et à sa famille. Il respecte les personnages féminins forts. Je voulais juste m’assurer que notre personnage principal avait des thèmes aussi forts que le personnage.

Maintenant, notre chef Jenny [played by Margarita Levieva], si vous regardez l’émission, nous obtenons deux chronologies : Nous traversons le passé et le présent. Nous avons Jenny de nos jours, puis son ancienne espionne, Anya, dans la Russie des années 90. Nous voulions nous assurer que nous rendions hommage à la musique industrielle des années 90, mais aussi rester présents et avoir un son qui nous transporterait d’avant en arrière. C’était toujours la chose numéro un. Adam et moi partageons un amour pour la musique des années 90, donc c’était facile à vendre sur ce point.

Comment avez-vous voulu rendre hommage à la musique industrielle des années 90 ?

La partition regorge d’analogues. Il a une tonne de synthés analogiques. J’ai beaucoup utilisé mon Eurorack. En parlant de travail préparatoire pour ce spectacle, j’ai fait ces grandes sessions d’échantillonnage où j’ai juste enregistré mon Eurorack pendant deux, trois heures à la fois, puis j’ai moi-même, mon assistant et mon mari, qui était mon compositeur supplémentaire sur ce projet, nous assis et haché ces échantillons tôt. Fondamentalement, nous avons créé notre propre bibliothèque de sons essentiels à utiliser dans le spectacle.

Je savais qu’il allait être important dès le début de retrouver ce son légèrement authentique des années 90, qui était les premiers jours de Nine Inch Nails et de How to Destroy Angels et des gens qui expérimentaient. Pour moi, la partition est très expérimentale. Il contient très peu d’instruments organiques, ce qui a été décidé très tôt. Même nos scènes d’action ont très peu de percussions organiques, voire aucune. C’est juste dans votre visage et agressif. Mais ensuite, nous avons la voix comme élément organique principal, qui est chantée par moi-même. Je n’arrête pas de dire que c’était une classe de maître pour moi d’apprendre à produire ma voix de manière étrange, de sorte que nous ayons cet élément organique, mais cela ne s’éloigne pas trop de la nature électronique de la partition.

Comment vouliez-vous que votre voix complète cette nature électronique de la partition ?

L’une des raisons pour lesquelles j’ai été amené sur le projet était le chant. Il y a un thème vocal écrit dans le script. Adam savait qu’il voulait que le chant soit fortement impliqué. Je pense que si quelqu’un devait s’attaquer à cette partition qui n’était pas un chanteur et devait faire venir quelqu’un, cela aurait été difficile car il y avait tellement de va-et-vient et beaucoup de choses qui devaient être jouées sur le plateau. C’est possible, mais je pense que c’était juste plus facile d’avoir quelqu’un comme moi qui fait tout le chant.

Cela étant dit, il y a eu beaucoup d’expérimentations au début. Le thème de la berceuse, dont vous entendez des morceaux dans les transitions d’aujourd’hui au passé, c’est aussi juste à l’ouverture du spectacle et c’est aussi un véhicule pour l’un de nos personnages. Nous savions juste, dès le départ, que c’était le premier morceau de musique et le thème que nous devions aborder. J’ai été tellement inspiré par le scénario et l’idée de l’ancienne technologie russe que j’ai voulu faire sonner le thème principal comme s’il avait été chanté à travers une vieille radio espion russe. Je l’ai fait en expérimentant différentes distorsions et différents filtres, et je pense que le résultat est plutôt cool.

Et puis le début de cette voix, qui est utilisée dans les transitions de notre émission, j’utilise ce plugin granulaire appelé Portal d’une société appelée Output. Fondamentalement, cela permet à ma voix de changer et de faire écho de manière hypnotique étrange et juste un tas de superpositions et de jeux. Lorsque je l’ai envoyé à l’origine à Adam, ce thème n’a pratiquement pas changé depuis sa version originale. Vous l’entendez dans beaucoup de variations différentes dans la série, mais comme le thème, c’était la première chose que nous avons faite. C’était la pierre angulaire du son du spectacle.