Les éditeurs Andrew Weisblum, Myron Kerstein et le réalisateur Lin-Manuel Miranda expliquent comment ils ont tout mis en place, du dîner « dimanche » à l’image finale.
Les comédies musicales sont difficiles. Tout comme la performance imminente de l’atelier qui pourrait faire ou défaire la carrière de Jonathan Larson (Andrew Garfield) dans le théâtre musical, les 10 premières minutes de « Tick Tick Boom » pourraient faire ou défaire sa capacité à faire n’importe quoi.
Au-delà du problème musical habituel consistant à mettre un public à l’aise avec le chant et la danse à un moment et les personnages se comportant de manière plus naturaliste le suivant, le film avait quelques défis particuliers qu’il devait surmonter rapidement. Le premier était de contextualiser l’héritage de Larson pour les téléspectateurs qui n’étaient pas déjà lus dans « Rent ». Le deuxième défi était que le film n’a pas seulement des numéros musicaux et des scènes dramatiques : il a une performance qui sert de cadre à l’histoire et de point de lancement pour les deux types de scènes. Le public doit comprendre comment nous nous déplaçons entre chaque type d’environnement et ressentir les changements comme intuitifs et naturels, de peur de nous perdre.
Les monteurs du film Andrew Weisblum et Myron Kerstein, et le réalisateur Lin-Manuel Miranda, ont parlé à IndieWire de la manière de relever ces défis et de faire confiance au processus éditorial pour trouver des solutions créatives. « Lorsque [producer Julie Oh] m’a d’abord approché avec les droits de cela, presque instantanément j’ai eu l’idée, oh, le one-man show est le cadre. Et dès que ses mains ont touché les touches, nous pouvons entrer dans le monde selon Jonathan Larson », a déclaré Miranda. «Mais mon expérience dans le développement de comédies musicales et l’écriture de comédies musicales est que nous devons enseigner au public comment fonctionnent les règles. Et nous avons vraiment utilisé une sorte d’effet de superposition.
Images de la caméra bêta de l’ouverture de « Tick Tick Boom »
Capture d’écran/Netflix
La superposition commence par des images Super 8 de Garfield marchant sur une scène, ce qui suggère clairement le film amateur d’une performance réelle. Ce sens du réel est martelé par d’autres images d’archives, habilement mélangées à des clips de style vérité tournés pour le film. Nous voyons d’abord la version fictive de Larson, sa petite amie Susan (Alexandra Shipp) et l’espace clé du Moondance Diner dans lequel le film reviendra (et comment !), mais Weisblum et Kerstein se replient dans de véritables images d’actualité couvrant « Rent » au début de sa course et les clins d’œil à la mort tragique de Larson juste avant l’ouverture de sa comédie musicale lauréate du prix Pulitzer. Susan dit en voix off pour proclamer que tout ce que nous allons voir est vrai, « à l’exception des parties que Jonathan a inventées ». Le film établit sans effort, dans ses premières minutes, son histoire comme fondée non seulement sur la vraisemblance mais aussi sur l’histoire.
Il y a beaucoup de pression sur ces premiers moments de vérité pour transmettre juste assez sur la montée de « Rent » et la personnalité de Larson, en particulier parce que Miranda voulait éviter les tropes biopic standard. « Je suis terrifié par le, comme, ‘Ceci est vraiment arrivé.’ Je ne voulais pas du texte blanc sur noir à la fin du film », a déclaré Miranda. « Les images de la caméra bêta étaient notre chemin, et nos images de la caméra bêta pouvaient être mélangées avec les images d’Anthony Rapp sur scène à ‘Rent’, nous donnant vraiment tout ce monde. Nous avons trouvé le vocabulaire supplémentaire de, oh, nous n’allons pas réellement au cinéma jusqu’à ce que nous le voyions au piano raconter sa propre histoire.
Mais la solution d’utiliser des images d’archives était un peu d’ingéniosité rétroactive. Les images étaient initialement destinées au numéro « Louder Than Words », mais après que certaines projections aient laissé le public confus quant à qui était Larson, Kerstein et Miranda ont repensé leur utilisation. « Certaines des archives et certaines des images de vérité que nous avons fini par tourner ont fini par aider cela », a déclaré Kerstein. « La voix off de Susan a été créée assez tard dans le processus, et cela a aidé à donner aux gens le même terrain de jeu. » Passant en deux plans rapides des séquences Super 8 au format numérique réel du film alors que Larson s’assoit au piano, le film fonde tous les changements ultérieurs comme provenant de l’expression de soi de Larson. Les changements de musicalité découlent alors de ou vers Larson au piano, fictif mais incarnant quelque chose et quelqu’un de réel. Peu importe ce qui se passe, à partir de maintenant, le public sait toujours où nous sommes. Nous sommes avec Jonathan.
Tout dans « Tick Tick Boom » remonte à Jonathan au piano…
Capture d’écran/Netflix
…et peut sortir pour faire de n’importe où dans « Tick Tick Boom » un espace musical.
Capture d’écran/Netflix
À partir de là, « 30/90 » monte lentement en scène, passant de séquences presque rock de Jonathan sur scène, s’ouvrant sur le groupe et ses co-interprètes Roger (Joshua Henry) et Karessa (Vanessa Hudgens). Entre les chœurs, nous obtenons des scènes dramatiques interstitielles qui deviennent aussi lentement plus musicales, en commençant par l’introduction de Michael (Robin de Jesús) au dîner avec seulement un trait de soulignement du numéro propulsant le moment vers l’avant, culminant avec Jonathan et Susan dansant leur chemin à travers Le brin. Il nous faut sept minutes pour voir un monde entièrement musical (et la chanson ne dure que quatre minutes et demie jouées d’affilée), mais alors que Jonathan et Michael dansent dans leur appartement, le film nous donne exactement les bonnes informations dans le bon ordre. pour l’accepter et l’embrasser.
« C’est presque un cliché [that] votre numéro d’ouverture établit la langue et établit la manière dont ces personnages chantent et interagissent. Et c’est vrai. Et c’est important. Et c’est le numéro le plus important de votre comédie musicale », a déclaré Miranda. Mais il était plus excité par la façon dont l’établissement des règles de la comédie musicale offrait finalement beaucoup de liberté à « Tick Tick Boom ». La base qu’ils ont construite au début du film lui a permis de créer de la complexité à partir de là, que ce soit sous la forme d’un clip de rap des années 1990 avec Black Thought, peuplant un restaurant avec des légendes de Broadway à travers les générations, utilisant VFX pour transformer une piscine en une strophe musicale, ou s’appuyant sur le montage pour entrecouper sur scène un numéro de comédie d’une rupture absolument brutale.
« Avoir le stade réel où nous pourrions revenir en arrière, cela pourrait être un point de départ si nous en avions besoin », a déclaré Kerstein. « Même cette petite touche que nous avons faite, ce petit ramassage après la fin de ‘Sunday’ de Jonathan juste en train de respirer, de juste profiter du moment que c’était pour aimer jouer ce numéro. Et c’est une si petite petite chose, mais c’est, encore une fois, la chose qui vous ramène dans cette réalité, et j’adore avoir l’opportunité de jouer avec ça.
« Tic Tic Boum »
Capture d’écran/Netflix
Weisblum a ajouté que le processus d’édition d’une comédie musicale ressemble beaucoup à l’écriture. « [Every idea] mérite son meilleur coup en termes de fonctionnement dans le film parce que vous ne savez vraiment jamais ce que cela signifiera pour vous plus tard dans le processus, lorsque vous recherchez cette chose et votre inventaire mental et votre mémoire visuelle juste continue de travailler tout le temps afin que lorsque vous essayez de résoudre un autre problème, vous vous souveniez de ce que vous avez fait ailleurs », a déclaré Weisblum.
Miranda a également comparé le processus de structuration d’un montage à la création d’une comédie musicale. « En tant que réalisatrice pour la première fois, j’avais de l’expérience sur les plateaux de tournage, mais je n’avais pas vraiment été exposée à la salle de montage à ce point », a déclaré Miranda. « J’ai trouvé, oh, c’est exactement comme construire une partition musicale. Vous utilisez les mêmes outils. Vous jouez avec la tension et le relâchement. Vous dites: ‘Quand dois-je m’asseoir dans un instant? Quand est-ce que je me dilate un instant ? Quand est-ce que je dépasse un instant ?’ Vous jouez avec le tempo. Ce sont les mêmes outils, les mêmes éléments, avec des boîtes à outils différentes. En termes de séquences et de superpositions [in] au début pour que quand ça revient, ça ressemble à une reprise.
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