Parfois, les meilleures histoires sur l’expérience de la réalisation d’une émission de télévision ont une portée énorme. Il s’agit d’un processus d’adaptation d’un magnifique roman épique qui dure environ un an, ou du soin méticuleux qu’il faut pour concevoir un langage visuel complet pour une série. Parfois, cependant, certaines des histoires les meilleures et les plus fascinantes sont très petites – sur l’expérience d’une personne se préparant pour une seule scène, ou sur la façon dont un costume crée un sentiment particulier.
Ce sont neuf courtes histoires sur ce que c’était que de faire Station onze, de personnes à la fois à l’écran et dans les coulisses. Ce sont des histoires sur les défis de faire une histoire pandémique pendant une pandémie, mais il s’agit aussi de créer de l’art et de se soucier de chaque détail, et d’écouter lorsqu’un showrunner vous demande d’apporter votre dent pour régler.
Photo: HBO Max
Nous étions en train de décider si nous devions retirer Kirsten de son costume de scène. J’aime quand les gens sont dans un environnement avec des choses qu’ils ne sont pas vraiment censés avoir – cela crée une tension dans la scène. Nous avons choisi la couleur rose pour la robe parce que nous pensions que cela créerait une juxtaposition avec la gravité de ce qui se passait dans ce fond enneigé et ce costume de théâtre délicat. La doudoune, je l’ai montrée à Hiro Murai, et il est une grande pom-pom girl de tout ce qui ressemble à « Peanuts », comme Charlie Brown : cette forme graphique et emblématique où vous pourriez la repérer tout de suite. Nous avons aimé le côté pratique de celui-ci.
Nous parlions de culture avant et après, et la culture d’aujourd’hui est que les enfants sont très représentatifs de leurs parents. Si Kirsten est de la classe moyenne supérieure, nous voulions le montrer tout de suite. Elle porte des vêtements pour enfants pratiques mais design et des Uggs. C’est une combinaison de choses qui ne devraient pas fonctionner, mais en termes de psychologie de la façon dont les gens s’habillent tous les jours, cela fonctionne. — Helen Huang, costumière
La Symphonie itinérante a été l’une des choses les plus difficiles à concevoir. Nous voulions de la crédibilité et nous voulions qu’ils soient intelligents. Nous avions la caravane beaucoup plus grande, mais nous avons continué à la réduire à l’essentiel afin de pouvoir continuer à voir les camions. L’un était un ancien camion UPS – je voulais laisser l’UPS allumé, mais nous ne pouvions pas.
Ils devaient transporter la scène, alors nous avons créé trois tableaux afin de créer de l’énergie, mais pas que ce soit une scène si énorme qu’on pourrait penser, Ce sont des gens tellement stupides de porter autant de poids! Ils ne sont pas matérialistes, mais ils utilisent des costumes et du maquillage légers et en tissu, et cette performance et la théorie de cette scène en seront le poids. C’est le contraire d’Arthur Le Roi Lear, avec une immense scène et un immense semblant. — Ruth Ammon, décoratrice
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Il s’agissait de faire en sorte que Hamlet se sente royal sans lui donner une cape. Une cape est si traditionnelle à Shakespeare, donc nous ne voulions pas faire ça. C’était un blason – en fait des armoiries, des doudounes, cousues pour créer du volume. Il a été inspiré par des dieux hindous avec beaucoup de bras, quelqu’un qui a beaucoup de dissonance en eux. Quand elle le joue, il se sent comme un roi. — Helen Huang, costumière
Trouver Miranda semblait être une tâche presque impossible. Elle est ce personnage énigmatique, et à certains égards passive, mais elle avait besoin de se sentir au cœur de tout ce rouage de la série. Nous avions travaillé avec Danielle Deadwyler sur Atlanta dans la saison deux, et nous l’avons fait venir et lire. Nous avions vu des centaines de personnes à ce moment-là. Elle vient d’apporter sa propre énergie idiosyncratique. Elle a un noyau en elle qui se prête à être ce personnage, mais elle est aussi juste magistrale en tant qu’actrice.
Cette scène de salle de conférence dans l’épisode trois, c’était l’une des premières choses que nous avons tournées à partir de cet épisode. Ce qui était probablement mal planifié de ma part, car c’est une si grande scène charnière, et nous essayions toujours de comprendre ce que cet épisode a été. Mais nous avons tourné cela peut-être le deuxième ou le troisième jour, et nous avons essayé différentes façons de le faire. Nous avons réalisé que le moment concernait cette femme qui jouait tout très près de son gilet et investissait plus dans sa vie et son travail intérieurs que dans son monde extérieur. Puis tout bouillonne à la surface et déborde pour la première fois. C’est à la fois cathartique et étrange et plutôt drôle et déchirant. Nous en parlions conceptuellement comme ça, et d’une manière ou d’une autre, elle a tout synthétisé en un seul grand monologue.
Nous avons tourné cela, et il y avait encore beaucoup de choses en mouvement à propos de cet épisode. Il y avait des scènes qui ne sont jamais arrivées, des choses qui ont été remixées et reconstruites dans le montage, mais une fois que nous avons eu cette scène, je me suis dit: « D’accord, je sais ce que cet épisode doit finir par arriver. » — Hiro Murai, réalisateur des épisodes un et trois
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Ils pensaient à obtenir un double de main, et j’ai dit non. J’ai du rythme. Je sais comment applaudir sur les deux et les quatre. Je me suis dit : « Je peux faire ça ! » Ils m’ont cru.
J’étais dans cette chambre d’hôtel à Toronto pendant plus de 140 jours. Je n’avais rien à faire. J’avais un beau clavier électronique. Ce n’est pas un piano à queue, mais c’est très agréable. Je l’ai mis à côté de ce miroir, et j’ai mis un panier à linge à l’envers sur une boîte, puis en plus, j’ai mis mon ordinateur, et je faisais des cours de piano Zoom tous les jours avec ce charmant homme nommé Gregory Oh. C’est juste le meilleur gars, mais c’est comme apprendre le basket sur Zoom. Je n’ai pas de caméras connectées à mon ordinateur, alors je dois tenir mon ordinateur d’une main, en le pointant vers mon autre main, du genre « Attends, laisse-moi voir, peut-être que je peux tenir avec mon cou ! »
Je n’ai touché à un vrai piano que deux jours avant de tourner cette scène. Il y a une grande différence entre un clavier et un piano à queue qui a 100 ans ! La réaction avec vos doigts est différente et vous devez pousser plus fort. C’était la nuit, c’était la dernière scène de la journée. Et il pleuvait à verse. Verser. C’était une tempête ! La production ne m’a pas vu jouer. Ils ne savent pas ce qui va se passer. Je suis comme, « Tirez-le! Je suis dans ma chambre depuis quatre mois en train de jouer cette putain de chanson, et on va la foutre en l’air. Je m’en fiche s’il y a de la grêle ! je m’en fiche Quel arrive. Tu penses que j’ai peur de cette pluie ?! »
Les clés se détachaient dans ma main, c’est comme ça qu’elle était mouillée. J’ai retiré une des clés et l’ai agitée vers la caméra, et ils ont dit : « Lori ! Remets ça ! » C’était comme Une ligue à part, jouant avec une cheville cassée. Je m’en fous, on va l’avoir. J’étais fabuleux. Ils n’ont pas eu à couper rien‘. — Lori Petty, Sarah
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L’actualité, j’en ai fait un jour dans un studio à Londres, en train de tourner avec [BBC broadcaster] Tina Daheley. C’était quelque chose qui me tenait vraiment à cœur, que ce soit un vrai journaliste. Même si nous avons eu tous ces moments d’actualité scénarisés, nous avons fini par ajuster certains d’entre eux plus tard dans la publication afin qu’ils jouent sur notre propre expérience de cette pandémie. On a beaucoup joué avec ce truc pour le moduler de la bonne manière.
La scène qui m’attire toujours est ce moment où Clark regarde la télévision à l’aéroport dans l’épisode cinq, et Tina parle enfin directement à son mari et quitte le cadre. C’était un ascenseur direct du livre. Imaginez être à la maison et regarder un journaliste quitter l’écran. C’est à ce moment-là que vous sauriez que la merde avait frappé le ventilateur. Tina était vraiment super. Je ne pense pas qu’elle ait jamais joué auparavant, et cela a pris du temps, mais elle était si merveilleuse. Elle a même utilisé le nom de son vrai mari, pour vraiment entrer dedans. — Lucy Tcherniak, réalisatrice des épisodes cinq et sept
Pour l’aéroport, je me suis un peu inquiété, on tournait dans un ancien aéroport, mais il a été abandonné et tout a été condamné. Il y avait d’horribles problèmes de chaîne d’approvisionnement, comme tout le monde en connaît maintenant. Essayer d’obtenir du bois, du plastique, du verre, du plexiglas ; vous avez ces idées et ces concepts, mais ils doivent être réalisés. J’essayais toujours de m’assurer que nous poussions les angles qui obtenaient les portes de vol. Nous avons gardé toute la signalisation et les moniteurs de l’aéroport, mais nous avons ensuite posé cette idée de banlieue ou de logement moderne : tout le monde a sa place, il y a deux niveaux, il y a ce sens de l’ordre. Mais vous ne pouvez pas savoir où ils vont pointer la caméra, alors vous n’avez qu’à espérer le meilleur. — Ruth Ammon, décoratrice
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Certains des trucs de la cabine où il y avait six pieds de neige partout – je n’avais jamais travaillé dans une situation naturelle comme celle-là auparavant. J’ai travaillé dans de nombreuses situations météorologiques étranges, mais c’était à quatre heures au nord de Toronto sur le lac Muskoka. Nous étions là-bas pendant une semaine, et comme par magie, il a neigé autant pendant notre séjour. Traverser cette neige, les personnages devant la traverser, est un visuel que vous n’auriez jamais pu créer vous-même.
Ces arbres étaient si lourds de neige. Même si nous ne faisions pas de spectacle là-bas, ce serait l’une des plus belles choses que vous puissiez vivre, juste debout dans ces six pieds de neige, et c’est mort, mort parce que la neige amortit tout.
Mais on ne pouvait pas forcément passer deux fois au même endroit, car alors la neige avait été altérée. Il y a des trucs, comme quand la neige est super, super haute, tant que les acteurs restaient sur la même ligne et que la caméra était dans la bonne position, vous ne verriez pas les vraies marches. Il y avait des moments où je voulais qu’un acteur traverse quelque part, alors je le traversais moi-même. Et il y avait des moments où c’était comme… ouais, c’est en fait impossible.
Le gros problème était qu’il y avait une route. Notre principale route d’accès à l’ensemble de la cabine, une seule entrée et une seule sortie – c’est la route par laquelle nous avons amené tout l’équipement et amené le casting, et elle était censée être vierge. Dans l’histoire, c’est post-pandémie. Il n’y a pas de voitures ! Alors Patrick a eu cette idée brillante que même si nous sommes post-pandémiques, il y a un gars avec un chasse-neige. Il était comme, « Pourquoi pas! Il pourrait y avoir un gars avec un chasse-neige, et il dégage la route. Nous avons donc fait appel à un chasse-neige pour dégager la route, et cela justifiait ce qui était nécessaire pour que nous puissions tourner ces scènes. – Jeremy Podeswa, réalisateur des épisodes trois, neuf et dix
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Je me suis mis en quarantaine pendant deux semaines dans une chambre d’hôtel pour faire ça un jour sur le plateau où je suis principalement allongé sur le sol. je le regarde comme, Putain de merde, je n’arrive pas à croire que j’ai pu m’allonger sur le sol et être là pendant que Danielle a fait ce travail.
Le premier jour où j’étais en quarantaine, cependant, Patrick Somerville a appelé pour s’enregistrer et je me suis dit: «Tout va bien. Je dois cependant entrer en contact avec la production, car une très grosse obturation vient de tomber de ma dent. Il a dit quoi? » et j’ai dit: « Une de mes dents arrière – je viens de mordre quelque chose et une obturation géante est sortie et est tombée dans ma main. » Et il a dit : « D’accord, je vais contacter la production. Mais gardez le remplissage et amenez-le à prendre. J’ai dit: « Absolument. » C’est de là que vient cette ligne. En fin de compte, j’ai entendu dire qu’il n’était pas entré dans le montage parce que le remplissage ressemblait à une pistache, mais la raison pour laquelle mon personnage finit par regarder le roman graphique est que ma dent est assise dessus et que Jim Phelps joue avec avec son doigt et il arrive juste de remarquer que c’est sur ce roman graphique. Cela me rappelle une réplique que Pat a lancée après la première répétition de cette scène, lorsque Jim a remis la carte de crédit à Miranda : « Jim devrait dire : « Utilise la carte bleue ». J’ai ri pendant cinq minutes.
Travaillez avec des personnes qui vous disent d’amener votre dent à régler. C’est une belle chose à propos de ce spectacle. Cette ligne sur son remplissage – nous avons tous fait ces choses. Jim Phelps va mourir, mais il y a ces petites choses qui nous préoccupent toujours. —Timothy Simons, Jim