Comme toutes les histoires, le pouvoir du cinéma vient de la capacité à immerger complètement le public dans le monde du film, et l’une des façons dont les films y parviennent est à travers la musique. En ce qui concerne la musique, cela signifie généralement faire correspondre les chansons à la période pendant laquelle le film se déroule, n’est-ce pas? Eh bien, pas nécessairement. Parfois, un réalisateur choisit délibérément une chanson qui semble étrangement déplacée pour l’année de tournage du film.
Cela pourrait signifier une chanson pop moderne apparaissant dans une pièce d’époque, ou un morceau de musique classique juxtaposé à une histoire contemporaine. Mal manipulé et cela pourrait être distrayant. Mais si elle est bien faite, la musique pourrait non seulement bien fonctionner dans le film, mais aussi le rendre encore meilleur.
8 Marie-Antoinette
L’une des utilisations les plus célèbres et les plus controversées de musique anachronique qui apparaît dans les films vient du drame d’époque de Sofia Coppola Marie-Antoinette. L’histoire suit la vie de la reine de France condamnée Marie-Antoinette, interprétée par Kirsten Dunst. C’est presque un cliché d’associer de grands drames historiques épiques à de la musique classique comme Mozart et Beethoven. Coppola, cependant, balance fort dans la direction opposée.
Au lieu d’une musique qui correspondait à la période, Coppola a utilisé une multitude de chansons pop modernes pour marquer le film. La bande originale comprend tout, de « I Want Candy » de Bow Wow Wow à « Plainsong » de The Cure. La forte dépendance à l’égard des chansons pop a naturellement suscité des réactions de division de la part des critiques et du public, mais l’intention de Coppola n’a jamais été de capturer avec précision l’histoire. Au lieu de cela, elle s’est concentrée sur la capture de l’esprit jeune de Marie-Antoinette, et ces chansons résument parfaitement comment quelqu’un comme Antoinette aurait pu voir le monde.
7 Dernière nuit à Soho
.jpg)
Les films d’Edgar Wright ont presque toujours d’excellentes bandes sonores. Étant donné que les années 60 sont une grande partie du récent film d’horreur d’Edgar Wright, il avait l’excuse parfaite pour inclure une multitude de musiques fantastiques de la décennie. Dernière nuit à Soho suit une jeune fille obsédée par les années 60 qui semble voyager dans cette décennie dans son sommeil. Bien qu’une partie du film se déroule dans les années 60, la majeure partie se déroule dans le présent.
La protagoniste Ellie est définie par son amour de la musique des années 60. « A World Without Love » de Peter & Gordon présente parfaitement le personnage alors qu’elle danse dans sa chambre en écoutant la chanson. Alors que sa vision horrible des années 60 commence à saigner dans le présent, le refrain de « (Il y a) Always Something There To Remind Me » de Sandie Shaw s’accorde parfaitement avec certaines des plus grandes révélations de la scène. Bien sûr, « Last Night in Soho » de Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich joue sur le générique du film, maintenant légèrement plus effrayant compte tenu du contexte du film. Ce ne sont que quelques faits saillants, car les favoris des années 60 sont jonchés tout au long du film.
6 Django Unchained
.jpg)
Cela ne devrait surprendre pratiquement personne que le western de Tarantino rejette complètement les règles du genre. À la suite d’un esclave libéré et d’un chasseur de primes faisant équipe pour libérer la femme de l’esclave, la vision de Tarantino du vieil ouest est très stylisée et révisionniste, ne se prenant jamais trop au sérieux. Il est donc normal que la bande originale du film ne le soit pas non plus.
Le personnage principal est introduit avec « Django » de Rocky Roberts et Luis Bacalov, une référence au film de 1966 Django et un accordeur de ton parfait. Une partie du film plonge dans des partitions fantastiques écrites par le légendaire compositeur décédé Ennio Morricone, bien que le reste du film soit composé de chansons encore plus modernes que cela. « I’ve Got A Name » de Jim Croce joue alors que Django assume sa liberté retrouvée avec Shultz. Lors de la grande fusillade à Candyland, « Unchained » de James Brown et 2Pac donne l’impression que la scène est sortie d’un film d’action moderne. L’utilisation la plus notable de la musique anachronique vient probablement de « 100 Black Coffins », écrit pour le film par Rick Ross. Bien qu’une chanson de rap moderne puisse sembler déplacée, elle capture parfaitement l’attitude de Django alors qu’il assume une fausse identité pour tromper l’antagoniste propriétaire de la plantation.
5 Conduire
Ce succès du réalisateur Nicolas Winding Refn est un mélange unique de drame d’art et d’essai et de thriller mordant. Ryan Gosling joue un chauffeur d’évasion anonyme qui aide à rembourser la dette de son voisin en participant à un braquage risqué qui tourne mal. Dégoulinant de style, Refn marque le film à la fois avec une musique de film traditionnelle et des chansons électriques modernes.
Alors que la plupart des chansons utilisées sont sorties quelques années après la chronologie du film, une chanson en particulier ressort: « Oh My Love » de Riz Ortolani, qui est sortie en 1972. La plupart des autres chansons sont de nature électronique, tandis que « Oh My Love » est une douce ballade d’amour composée principalement de voix et d’instruments à cordes. La chanson joue à un moment crucial du film, alors que le conducteur découvre que l’un des personnages clés a été tué. La chanson se poursuit alors qu’il suit l’un des principaux antagonistes, finissant par exploser de violence dans les derniers instants. C’est un moment exceptionnellement poignant dans un film par ailleurs dur et violent, et c’est tant mieux.
4 Jojo Lapin
.jpg)
Directeur de la prochaine Thor : Amour et tonnerre Taika Waititi a remporté son premier Oscar pour avoir écrit cette satire décalée de la Seconde Guerre mondiale sur un jeune garçon vivant dans l’Allemagne nazie. Tout en présentant également une partition originale, Waititi utilise également plusieurs reprises allemandes de chansons des décennies suivantes qui aident à montrer la vision enfantine de Jojo sur la sombre histoire de l’Allemagne.
L’ouverture du film est tournée sur une version allemande de « I Want To Hold Your Hand » des Beatles. Il est utilisé contre des images historiques d’Hitler ainsi que des plans de Jojo lui-même, ce qui aide à établir la façon dont l’enfant idolâtre Hitler au début du film. Le film se termine également parfaitement avec une version allemande de « Heroes » de David Bowie, alors que Jojo et Elsa célèbrent la fin de la Seconde Guerre mondiale. Parallèlement à ceux-ci, Jojo Lapin présente des chansons de nombreux artistes des dernières décennies, dont Roy Orbison et Tom Waits.
3 Coureur de lame 2049
.jpg)
Alors que la plupart des entrées ici ont lieu dans le passé ou le présent, Coureur de lame 2049 est le rare film à présenter de la musique historique tout en se déroulant dans le futur. Une suite du classique de Ridley Scott, Coureur de lame 2049 suit le réplicant K alors qu’il commence à découvrir une sombre vérité qui a suivi les événements du premier film. La partition de Hans Zimmer est facilement à la hauteur de l’original de Vangelis, bien que le réalisateur Denis Villeneuve emploie également plusieurs musiques rock et instrumentales classiques pour rendre ce thriller de science-fiction encore plus captivant.
Une grande partie de la bande originale se déroule dans une scène cruciale de la seconde moitié du film, où K combat Deckard. Des combats dans un casino, des blips de performances holographiques d’artistes tels qu’Elvis Presley et Frank Sinatra sont brièvement joués. La scène est par ailleurs dépourvue de musique, et ces petits moments ajoutent juste un peu de tension supplémentaire à une scène déjà brillante. Le film utilise également régulièrement le classique instrumental « Peter and the Wolf » de Segei Prokofiev, jouant une petite partie du thème de Peter chaque fois que K démarre sa petite amie AI Joi. Enfin, « Tears in Rain » de Vangelis est tiré de l’original Coureur de lameégalement utilisé pour un effet puissant ici.
2 Basterds sans gloire
.jpg)
L’exploration par Tarantino du révisionnisme historique a commencé avec ce film de guerre unique et mémorable sur la Seconde Guerre mondiale sur une équipe de soldats juifs américains en mission pour tuer Hitler lui-même. Un peu comme Django Unchainedle plaisir de Basterds sans gloire vient de ne pas se prendre trop au sérieux et d’apporter une justice bien nécessaire à certaines des histoires les plus sombres du monde. Et aussi comme Django UnchainedTarantino s’en tient à peine à l’ère musicale de la Seconde Guerre mondiale lors de la composition de cette aventure.
Le film s’ouvre sur « The Verdict » d’Ennio Morricone, composé pour le western de 1967 Le gros coup de feu; la chanson elle-même utilise également la célèbre pièce pour piano de Beethoven « Fur Elise », créant une tension à la révélation de l’antagoniste Hans Landa. De nombreux morceaux de Morricone des westerns des années 60 sont utilisés partout Basterds sans gloire, car il devait initialement composer la partition du film. Alors que de nombreuses autres chansons sont utilisées, la plus notable est probablement l’utilisation de « Cat People (Putting Out Fire) » de David Bowie du film de 1982 Gens de chat. La chanson joue alors que les personnages se préparent à attaquer le théâtre où Hitler et tous les nazis de haut rang assistent à une projection de film; si quoi que ce soit, la chanson ajoute une couche supplémentaire de suspense alors que Tarantino construit son apogée surprenante.
1 gardiens de la Galaxie
.jpg)
Il est rare qu’un film Marvel inclue de la musique sous licence, et encore plus rare qu’une telle musique soit une caractéristique déterminante de leur film. Avec gardiens de la Galaxie et sa suite, il est pratiquement impossible de séparer le spectacle de science-fiction du rock des années 70 et 80 qui l’accompagne.
Bien que se déroulant dans le présent, gardiens de la Galaxie se définit avec la musique rock des décennies plus anciennes, qui non seulement résume parfaitement la personnalité de Peter Quill, mais donne également le ton décalé des deux films. « Come and Get Get Your Love » de Redbone offre une introduction parfaite à Peter tout en donnant le ton avec les titres d’ouverture du film. « Cherry Bomb » de The Runaways aide également à donner le ton tout en menant à la grande finale, où Peter interprète finalement une danse sur « Ooh Child » de Five Starships avant de finalement conclure avec le film avec « I Want » de Jackson 5. Vous revenez ». Les deux gardiens de la Galaxie les films font un usage fantastique de la musique spécifique à une époque, ce qui est l’une des raisons pour lesquelles ils sont agréables à regarder.
Lire la suite
A propos de l’auteur