Faith Ringgold, Le réveil et la résurrection du nègre bicentenaire, 1975-1989.
Photo : Ron Amstutz, avec la permission du Glenstone Museum, Potomac, Maryland.
Le paradigme du monde de l’art du XXIe siècle est le paradoxe. D’une part, il y a le vaste réseau interconnecté d’artistes, de collectionneurs, de conservateurs, de critiques (salut !), de conseillers, de galeries et de foires qui composent le monde de l’art en tant que centre de distribution, avec des actifs qui peuvent être expédiés n’importe où, n’importe quand. D’énormes sommes d’argent sont injectées dans cette matrice esthétique par des personnes qui ont traversé l’effondrement financier de 2008 et la pandémie plus fortes, avec encore plus de richesse accumulée. Mais au lieu d’acheter uniquement des maîtres modernistes ou des stars d’après-guerre, beaucoup de ces personnes achètent de l’art comme un moyen de signaler une correction éthique et une amélioration personnelle, un moyen d’accorder la bienfaisance à ceux dont la vie a été un enfer sous le système qui a généré leur richesse.
L’art et l’argent ont toujours dormi ensemble. Peut-être que le monde de l’art est simplement devenu plus pervers à ce sujet. Il n’est pas surprenant qu’un véritable Murdoch – James, fils de Rupert – soit désormais un actionnaire majeur de la société qui organise Art Basel, une foire qui publie une publication soucieuse d’équité pendant ses shindigs. C’est comme les paroles de Laurie Anderson : « C’est la main, la main qui prend… Parce que quand l’amour s’en va, il y a toujours la justice / Et quand la justice s’en va, il y a toujours la force. »
Dans tous les cas, les dés sont jetés. Louche, déroutant et affecté qu’il soit, quelque chose s’épanouit dans le paradoxe. Sans renoncer au grand art du passé, nous pouvons enfin commencer à voir plus de 50 pour cent de l’histoire. Dans notre propre arrière-cour, la réécriture de l’histoire de l’art ne pouvait pas commencer à un meilleur endroit qu’avec une étude complète de Faith Ringgold, y compris ses installations et ses courtepointes narratives géantes peintes à la main. Plus loin dans les quartiers chics, le Met met un pied dans les eaux audacieuses en présentant le travail du géant sculptural de la côte ouest Charles Ray – tandis qu’à l’extrémité du spectre, nous verrons une exposition solo de l’artiste vivant le plus cher. Avec des spectacles bons, mauvais et très mauvais à notre portée, quiconque dit que l’art est simplement éveillé et médiocre en 2022 semblera appartenir à une autre époque.
Charles Ray, Sarah Williams, 2021.
Photo : Charles Ray, avec l’aimable autorisation de la galerie Matthew Marks
Charles Ray a émergé à Los Angeles au milieu des années 1980 et fait partie des sculpteurs américains les plus éminents. Dans Ligne d’encre (1987), Ray nous donne une ligne noir de jais qui ressemble à une ficelle allant du sol au plafond. Regardez de plus près et vous vous rendrez vite compte que cette forme solide est, en fait, un jet d’encre noire sortant d’un petit trou dans le plafond dans un trou tout aussi minuscule dans le sol. (Une pompe de recirculation encastrée dans le mur renvoie l’encre vers le haut – une fontaine postmoderne.) Point de filature, fait la même année, ressemble à une ligne de crayon circulaire tracée sur le sol. Encore une fois, l’espace semble vaciller; vous remarquez qu’un disque tourne si vite qu’il semble s’immobiliser. Et Ray n’a cessé de s’améliorer, avec d’énormes sculptures d’une épave de voiture tordue et d’un camion de pompiers, des autoportraits hyperréalistes et des sculptures en acier inoxydable presque classiques. Tout cela a culminé en 2015 avec son controversé Huck et Jim, qui représentait Huckleberry Finn de Mark Twain se penchant pour regarder quelque chose tandis que Jim – qui, dans le livre, est un esclave en fuite essayant de se frayer un chemin sur la rivière – se tient au-dessus de lui, regardant au loin. Les deux personnages sont nus. Le Whitney Museum a rejeté cette œuvre commandée, craignant qu’elle n’offense. Enfin, dans cette rétrospective du travail de Ray au Met, tous auront l’occasion de l’accepter. Les problèmes du corps rivalisent d’attention avec les problèmes de société.
Faith Ringgold, Femme sur un pont #1 sur 5: Plage de goudron, 1988.
Photo : © Faith Ringgold / ARS, NY et DACS, Londres, avec l’aimable autorisation des ACA Galleries, New York 2021
Lorsque le MoMA a inauguré la nouvelle installation de sa célèbre collection d’art moderne en octobre 2019, de nombreux ont salué les vagues de changement dans l’association du musée à son chef-d’œuvre fondateur, Picasso’s Les Demoiselles d’Avignon (1907), avec Faith Ringgold’s American People Series #20 : Mourir (1967). Demoiselles était le coup de feu pictural entendu dans le monde entier. Dans la peinture murale vibrante de Ringgold, nous voyons des meurtres dans les rues : des personnages en noir et blanc portent des fusils et des couteaux. Certains courent dans la terreur. Les enfants se recroquevillent sous les pieds. Il résumait l’Amérique à l’époque des droits civiques. Il résume encore, hélas. Aujourd’hui, le New Museum – l’un des meilleurs au monde à donner ce qu’il faut aux grands artistes sous-estimés – organise une rétrospective complète de ce maître innovateur de 91 ans. Alors que Ringgold est un excellent peintre, ce qu’elle appelle son « les courtepointes d’histoire » représentent un témoignage imposant de la puissance d’un artiste utilisant tout moyen nécessaire pour briser les murs du canon. Ici, ce marteau se trouve être fait de tissu et de peinture. Rencontrez le demi-frère et demi-frère du modernisme longtemps dénigré.
Beeple, EMOJI, 2021.
Photo : avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la Jack Hanley Gallery
Préparez-vous à gronder avec cette exposition de galerie de Mike Winkelmann, alias Beeple. C’est la célèbre star de NFT qui en mars 2021, de nulle part, a vendu son travail de crypto numérique Tous les jours : les 5000 premiers jours pour 69 346 250 $ – un prix record pour un artiste vivant. Le reste appartient à l’histoire : l’envie, les arguments et les océans d’artistes et d’entrepreneurs NFT se précipitent. Non seulement les gardiens du monde de l’art n’ont pas vu cela venir, ils ne sont même pas sûrs que Beeple soit un artiste. Ou, s’il est un artiste, s’il est mauvais. Ou, Dieu nous en préserve, un bon. Il n’est pas rare qu’un éclair dans la caisse de l’argent soit exposé dans une galerie, mais Beeple sera exposé avec l’une des galeries les plus cool du monde, Jack Hanley à Tribeca.
La bonne foi de Hanley est impeccable, ayant été l’un des premiers champions des artistes de rue de San Francisco et d’autres avant-gardes. Il a toujours été un quasi hors-la-loi. (Il y a environ 15 ans, lors d’une fête de Noël, il m’a donné un morceau de haschich de la taille d’un bouchon. Alors que ma femme et moi rentrions chez nous, nous avons été arrêtés lors d’un contrôle de Noël de routine par la police près du Holland Tunnel. Lorsque l’agent a senti l’herbe , il m’a dit de m’arrêter. J’ai remis le hasch à ma femme, qui l’a jeté par la fenêtre avant de nous garer, à trois mètres de la route – économisant ainsi la critique d’art hebdomadaire pendant environ un an.) Le spectacle Beeple à cet endroit , à l’heure actuelle, pourrait mettre un frein aux œuvres d’un monde de l’art qui, pour de bonnes et de mauvaises raisons, se méfie de la ruée vers l’or du NFT. Pop du maïs et restez à l’écoute.
Henri Matisse, L’atelier rouge, 1911.
Photo : © 2021 Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York
C’est presque un rite de passage esthétique d’être emporté par L’Atelier Rouge. Matisse a peint ce chef-d’œuvre de 1911 à l’âge de 42 ans et au cœur d’un suralimenté pas de deux avec son rival Picasso, 30 ans. Il donne un nouveau sens à chaque visionnage. Tout d’abord, il y a le miracle qu’il soit presque tout rouge – pas un cramoisi ou un rubis, mais un rouge de vêtement ecclésiastique qui couve d’une frontière à l’autre. Puis il y a la vision de Matisse peignant ses propres tableaux, dans son propre atelier, les faisant revivre tous dans cet espace sanctifié où ils ont été créés, et où, pour l’artiste, la réalité commence. (Ou se termine.) L’espace dans la peinture est si plat qu’il se lit à la fois comme un rendu simple, presque enfantin, et comme l’un des systèmes d’exploitation visuels les plus avancés jamais conçus. Seul le MoMA, le gardien de cette monade, pouvait la réunir avec six des vraies peintures que Matisse y dépeint. Cette galerie des glaces s’ouvrira devant vos yeux reconnaissants.
Senga Nengudi en spectacle Air Propo à JAM, 1981.
Photo : Avec l’aimable autorisation de Senga Nengudi et Lévy Gorvy.
La galerie Just Above Midtown – ou JAM, comme on l’appelait toujours – a ouvert ses portes en 1974. Située à l’origine sur West 57th Street, elle a dû déménager deux fois en raison de la hausse des loyers, pour finalement fermer en 1986. Au cours de cette courte période, le propriétaire visionnaire de la galerie /directrice/everything Linda Goode Bryant, qui a fondé l’espace à l’âge de 23 ans (!), a présenté des artistes alors inconnus mais désormais presque canoniques, dont David Hammons, Howardena Pindell, Lorraine O’Grady et Senga Nengudi. JAM était une formidable exception au modèle de galerie presque entièrement blanc et entièrement masculin, montrant principalement des artistes de couleur. Les artistes avec lesquels Bryant a travaillé ont ensuite modifié la forme de la peinture et de la sculpture de manière à modifier le flux de l’art – prouvant que la qualité est la qualité, sans avoir à être qualifiée de plaidoyer. Voyez par vous-même lors de cette rétrospective du MoMA longtemps retardée.
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